Cinéma d'Amérique Latine / Bulletin d'information de l'EICTV (Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba) / #68
Boletin informativo
No. 68
Julio de 2009
www.eictv.org
En este número:
EICTV POR DENTRO
Comité Evaluador de Tesis 2009
Cinco largometrajes en papel
Las nueve tesis de ficción. Tres años que terminan ¿en éxtasis?
Seis documentales en busca de autor
Moussa Sene Absa evalúa, ilustra y convence
Homenaje a trabajadores fundadores del ICAIC
Las tesis en el Chaplin
EGRESADOS
Eicetevianos se solidarizan con el pueblo hondureño
PUERTAS AFUERA
Abierta convocatoria para Nuevas Miradas/EICTV 2009i
Abierta convocatoria para II Taller de Capacitación Audiovisual desde la perspectiva de género
Convocatoria CINERGIA para cortometrajes
Comité Evaluador de Tesis 2009
Este año la Escuela contó para las evaluaciones de fin de curso con profesionales del audiovisual provenientes de Senegal, Argentina, México, Estados Unidos, India, Suiza, Francia y Alemania.
Este ejercicio, donde se discuten todos los aspectos formales y de contenido de los trabajos finales, tanto de ficción como de documental, se considera la última clase magistral para los estudiantes después de tres años de estudios.
Así estuvo conformado el comité evaluador 2009:
Moussa Sene Absa (Senegal)
Multifacético artista, pintor, escritor y músico, Moussa Sene Absa dirige y escribe para teatro y cine. Comenzó actuando en teatro para después dirigir la pieza La légende de Ruba, de la que también es autor. En cine ha escrito Les Enfants de Dieu, premiada en el festival de cine francófono de Fort-de-France, y su debut como director le valió en 1988 el Sivel Tanit del Festival de Carthage. En 1991 dirigió el largometraje Ken Bugul, seguido de los cortos Juaaraama, Set Setal y Entre Vos Mains, en 1992. Un año después dirigió Molaan y Offrande à Mame Njare, y el largometraje Ça Twiste à Poponguine, que ganó numerosos premios internacionales. En 1994 dirigió el mediometraje Yalla Yaana y, en 1996, Tableau Ferraille. Para Productions de La Lanterne ha dirigido dos documentales, Jef- Jel (1998) y Blues Por Une Diva (1999).
También ha trabajado para la televisión senegalesa produciendo la comedia Gorgorlu, muy popular en su país. Su talento como pintor también es muy reconocido y sus vibrantes trabajos han sido expuestos tanto en Senegal como en Europa y los Estados Unidos. Su largometraje Madame Brouette vuelve a trabajar con el tema de la mujer africana, presente en buena parte de su obra.
Nerio Barberis (Argentina-México)
Atraído por la música, la electrónica y la creación de bandas sonoras para danza, se hizo sonidista en la práctica, en campos disímiles como la publicidad, el cine político del Cine de la Base y filmes industriales como Nazareno, la cruz y el lobo, de Leonardo Favio, antes de iniciar un peregrinaje por América Latina, forzado por motivos políticos o por opción propia, hasta fijar su residencia en México. Ha participado como profesional de sonido en filmes como La tarea, Perfume de violetas, La mujer de Benjamín, Danzón, Bienvenido-Welcome, Sin dejar huella, Purgatorio y Tres-Tres, entre otros. Ganador del Ariel a Mejor sonido por Nicotina, El crimen del padre Amaro y Elisa antes del fin del mundo. Instructor en varios centros docentes, es uno de los fundadores de la cátedra de Sonido de la EICTV.
Jerry Carlson (Estados Unidos)
Oriundo de Texas. Especialista en teoría narrativa, en cine independiente global, y en cine del continente americano. Es el Coordinador de la cátedra de Estudios de Critica en el Programa de Cine y Video de la (City Collage) y miembro del programa de doctorado del área de Estudios de Cine y Francés del centro de Graduados de la Universidad de Nueva York. Ha sido conferencista en Stanford, Columbia, la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, la Sorbona, en Paris, y la Universidad de São Paulo. Es un director, escritor y productor activo. Nominado a un Emmy, se desempeña también como un Productor General de CUNY TV, el canal de cable de la City University of New York, y ha producido varias series, entre ellas City Cinemateque, y Nueva York, serie basada en las culturas latinas en esta ciudad. Como productor independiente, sus más recientes producciones, incluyen el largometraje DIRT, de la realizadora chicana Nancy Savoca, y Buscando a Palladin dirigida por Andrzej Krakowski. En 1998 fue nombrado Caballero del Orden de las Palmas Académicas, en Francia, máxima condecoración que otorga el Gobierno francés a un ciudadano extranjero.
Indranil Chakravarty (India)
Nació el 8 de junio de 1965, y antes de graduarse en la especialidad de dirección en la EICTV, en 1992, había estudiado estadística en la Universidad de Calcuta. Entre 1992 y 1996 fue cineasta independiente en varios filmes educativos: Concepts in Film History, Hold My Hand, y otros. En 1995, realizó numerosos filmes para la Moving Picture Company, de Nueva Delhi y para el programa Frame by Frame. De ese periodo es Our Novels in English, mediometraje que escribió y dirigió. Luego, fue manager de proyectos en la Digital Talkies, primera compañía india de cine digital, productor ejecutivo de Tryst of Blue (2001), y al año siguiente hizo el guión de la coproducción indobrasileña The Whispering Trees. Alrededor de los años 2002 y 2003 fue jefe del archivo fílmico Osian’s, y consultante de Seagull Arts & Media Resource Centre, de Calcuta. En la actualidad elabora un documental titulado The Structure of India's Audiovisual Market, un encargo del Consejo de Productores Cinematográficos de Alemania, pensado con el fin de preparar un plan de inversiones germanas en India. Ha sido profesor o conferencista en el Satyajit Ray Film & TV Institute, de Calcuta, el Calcutta University Film Study Centre, la Universidad de Delhi, y el Centro de Estudios Latinoamericanos de Goa. Ha publicado ensayos sobre cine latinoamericano particularmente en varias revistas especializadas.
Rolando Colla (Suiza)
Director, productor y autor suizo de origen italiano, activo en la industria audiovisual desde 1976, como gerente de producción, guonista y actor de los filmes Flor de otoño, El alba y Honor y reposo, de su hermano gemelo, Fernando Colla. Desde 1983 realiza filmes educativos e industriales y en 1984 crea su productora Peacock. A partir de 1993, con el mediometraje Temporada de caza, pasa a la dirección de filmes de ficción, y realiza los largometrajes El mundo al revés, Más allá de la frontera, Marameo y La otra mitad, por los que ha ganado numerosos premios. Es autor de Objeción, serie de cortos creados a lo largo de los años que sobre dramas de refugiados. En 1985, se licenció en estudios alemanes y lenguas romances por la Universidad de Zurich. Miembro de la Asociación Suiza de Directores de Cine.
Jacques Comets (Francia)
Editor y profesor de la Fondation Européenne pour les Métiers de l’Image et du Son (FEMIS) en París. Su filmografía incluye los filmes Celos (1991), de Kathleen Fonmarty; La anciana que caminaba sobre el mar (1991), de Laurent Heynemann; Zanzíbar (1989) y Guía para el adulterio (1995), de Christine Pascal; Fuego en el paraíso (1997), de Markus Imhoof; Lumumba (2000), de Raoul Peck; Carta de amor zulú (2004), de Ramadan Suleman; Serko (2006), de Joël Farges; Para subir al cielo hay que morir primero (2007), de Jamshed Usmonov; Instituto de Belleza Venus (1999), Lo más cercano al cielo (2002), France Boutique (2003), Sometimes in April (2005), de Peck; Le Grand Charles (2006), de Bernard Stora, del largometraje de animación Max & Co (2007) de Frédéric y Samuel Guillaume; Passe-passe (2008) de Tonie Marshall; y de Visage (2009), de Ming-liang Tsai.
Rolf Coulanges (Alemania)
Documentalista, director de fotografía, editor, crítico de cine y profesor de cine y medios. Después de dirigir el documental Música reggae, crea en 1983 la empresa de distribución y productora Amber Film, con la que realiza las películas Resistencia en Guadalupe, Sacy Perere y La guerra silenciosa. Ha sido jefe y asesor de la cátedra de Fotografía en la EICTV y en la actualidad imparte cursos sobre medios electrónicos en la Stuttgart Media University y otros centros docentes de Europa. Nacido Rolf Müller, adoptó el apellido de su esposa haitiana, Claudette, egresada de la EICTV, con quien codirigió el documental El sistema de Dora, y a quien le fotografió el documental sobre la situación de las mujeres haitianas, Buscarse la vida. Director de fotografía del documental Ju-Ni Hitoe, de Jutta Ohlenberg, y la ficción Scardanelli (2003) de Harald Bergmann.
César Custodio (Argentina)
Editor de amplio desempeño en cine, televisión y en la realización de video clips, especialista en post-producción digital. Ha laborado en diversas empresas del sector profesional argentino como editor, supervisor y coordinador de post-producción. En cine, ha participado en filmes como El grito en la sangre, El ratón Pérez, Monobloc, Patoruzito y el águila dorada, entre otras. Profesor Titular de la carrera de Montaje Cinematográfico de la Fundación Universidad del Cine (FUC), Argentina. Profesor Adjunto de la Licenciatura en Montaje Cinematográfico del Instituto Universitario de Arte (IUNA), Argentina. Profesor Titular de la carrera de Dirección de Montaje de la ENERC, Argentina. Profesor Titular de la Carrera de Post-producción Digital de Silicon Media Center, Argentina. Jefe de trabajos prácticos de la Licenciatura en Publicidad de la Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales, Argentina.
Marcos López (Argentina)
Importante fotógrafo argentino, Marcos López empezó a estudiar ingeniería en la Universidad Tecnológica Nacional de Santa Fe, Argentina, y toma sus primeras fotos en 1978. Luego colaboró con el historiador e investigador Luis Priamo en el rescate y preservación de fotografías antiguas. Obtuvo una beca de perfeccionamiento otorgada por el Fondo Nacional de las Artes, y asiste a una serie de Talleres de prestigiosos fotógrafos argentinos y extranjeros. En 1984 participa en la creación del grupo Núcleo de Autores Fotográficos, junto a 12 colegas. Trabaja en fotografía documental y colabora con diversos medios independientes que se publican en Buenos Aires. En 1989 integra la primera promoción de becarios de la EICTV y realiza documentales para 16 mm y video. Trabaja en Buenos Aires como realizador de documentales y en varios largometrajes como asistente de iluminación y fotógrafo de filmación. En 1993 se publica Retratos, su primer libro y desarrolla la serie Pop Latino. Fue curador de la exposición Al Sur del Sur, y entre 2001 y 2002, crea y desarrolla en su estudio un grupo de reflexión estética y de producción fotográfica. En 2003 publica en la Universidad de Salamanca Sub-realismo Criollo y al año siguiente es invitado al Foro de Fotografía Latinoamericana, en México, y expone sobre la perspectiva de los fotógrafos en la última década. En 2005, expone en Caracas, Nueva York, Lima y Santo Domingo. Además de desarrollar su obra personal en video y fotografía, trabaja en periodismo, fotos para editoriales, revistas y publicidad. También coordina un taller de reflexión estética sobre fotografía.
Tancrède Ramonet (Francia)
Productor. Cofundador y productor de la empresa Temps Noir. En el 2002, produjo una entrevista de siete horas a Fidel Castro para el canal Histoire TV. Por varios años ha producido documentales que examinan tópicos sociales y las raíces históricas del mundo contemporáneo para la televisión educativa francesa y otros canales de televisión de distribución internacional. Autor de varios libros, ha producido los documentales The Shadows of Devil’s Island, de Patrick Barbéris, Tout condamné aura la tête tranchée,de Alain Ferrari y Premiers Films, un Exercice à la Femis, de Jean Luc Daniel. El filme Cuba, an African Odissey, producido por Temps Noir e ITVS, dirigido por la cineasta libanesa Jihan El-Tahri y producido por Ramonet, aborda la incursión de combatientes cubanos en las guerras de liberación africanas durante el periodo de la Guerra Fría. El documental ha recibido numerosos reconocimientos a nivel internacional, incluido el premio a la Mejor Dirección femenina en el Festival de Cine Panafricano.
Matthew Robbins (Estados Unidos)
Guionista, director, productor, actor y consultor de guiones. Forma parte de la generación de cineastas norteamericanos que dio un vuelco a la industria cinematográfica durante la década de 1970. Mientras cursaba estudios en el American Film Institute (AFI), se vinculó al grupo de los entonces jóvenes cineastas George Lucas, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Brian de Palma, Rob Cohen, y otros. Con la compañía American Zoetrope, de George Lucas y Francis Ford Coppola., colaboró en THX 1138, dirigida por el primero, como guionista del cómic homónimo. Su primer guión, The Sugarland Express, en colaboración con Hal Barwood y Steven Spielberg, quien dirigiera la cinta, obtuvo el premio de guión en el Festival de Cannes de 1974. Con Barwood colaboraría en otros filmes a lo largo de su carrera, como MacArthur, de 1977, The Bingo Long Traveling All-Stars & Motor Kinas, de 1976, y la comedia Corvette Summer, de 1978, la que también dirigió. En la década de 1980 estuvo vinculado como actor y guionista en Encuentros cercanos de tercer tipo, de Steven Spielberg, y escribió y dirigió, entre otros, el filme fantástico de aventuras Dragonslayer, de 1981. En 1997 comenzó su colaboración con Guillermo del Toro, para el que escribiría el guión de Mimic, filme de horror científico que marcó el debut de la carrera hollywoodense del director mexicano.
Cinco largometrajes en papel
Joel del Río
Si bien en las tesis de ficción predominan las protagonistas femeninas, los guionistas se decidieron, en sus historias para largometraje, por historias más corales, o concentradas en personajes masculinos, exceptuando, por supuesto, a Jennifer Piñero, la única chica del grupo. Los muchachos, cuando tienen personajes femeninos en sus historias, suelen ser putas. ¿Será que les dio un ataque súbito de machismo? Claro, que las putas no son invención de los machistas, sino de la civilización, en toda república bien organizada.
Se dice, se comenta, se rumora, que los cinco guionistas se lanzaron a escribir, y en algún momento, consciente e inconscientemente, llevaron al papel sus personales catarsis, traumas e insatisfacciones, de modo que cada guión impregnado, en mayor o menor medida, de características personales. Para hablar de los resultados nos valimos de las sinopsis que ellos entregaron para el anuario, de modo que a lo peor, tal vez, quizás, ha habido cambios y la versión final no se parece para nada a lo que aquí contamos. Pero, en fin, por estos caminos andaban los distraídos, reconcentrados, taciturnos y rigurosos muchachos de este tercer año.
Una historia de amor, con algo de trasfondo político, cuenta el pana Emmanuel Chávez en Amor en paro, que se ambienta durante la huelga general de 2002 en Venezuela. El protagonista es Ángel, un apático y consumista de 25 años, atrapado en una kilométrica fila para comprar gasolina. En esa fila, llena de excéntricos y curiosos personajes, está Ana, una impulsiva antiimperialista de 23 años, con quien comenzará a establecer una relación de atracción-rechazo. Son tan distintos Ana y Ángel que se pelearán constantemente, felices para siempre. (Emmanuel ya tiene productora, que será Marelis, quien egresa junto con él ahora en julio, y de seguro saldrá de aquí una película divertida, tal vez medio nihilista y desencantada, pero en el fondo sentimental y tierna, aunque Emmanuel no pueda contener sus deseos de repudiar semejante clasificación)
Más en la cuerda de la aventura trascendental y la road movie, el brasileño Daniel Tavares relata las peripecias de Alberto, un prófugo de 48 años quien recibe un averiado camión cargado de armas luego de ser confundido con un chofer al servicio del narcotráfico. Junto con Pedro, un hábil mecánico de 20 años, el prófugo decide transportar la carga de Brasil a Chile. En un poblado perdido de la frontera boliviana se incorpora Rosario, desilusionada muchacha de 15 años. Los tres se fugan por las carreteras más recónditas del corazón de América del Sur, mientras intentan sobreponerse a sus cicatrices y naturalezas desconfiadas. Poco a poco, van conformando una familia extraña e inusual, aunque parecen condenados por sus destinos, y terminan justo al borde de la frontera chilena, en gigantesco desierto de sal, metáfora de la desesperanza. (Es casi sobrecogedora la capacidad de Danny para la tragedia. Que se lo crea quien no lo haya visto despelotao, tocando y bailando cualquier cosa que haga música en las noches de Rapidito)
Sobre un hombre mayor, con cerca de 50 años, también habla el guión del boricua Joaquín González en Bar de lágrimas, un título que trae a la mente, sin llamarlos, melodramas más o menos postmodernos estilo La mujer del puerto (versión Ripstein) y algo así como Cabaret, La clase de Cantet y Lolita juntos y revueltos, aunque el asunto luego adquiere otros tintes, menos melodramáticos. Les cuento lo que nos quiso contar Joaquín: «El Sátiro» le dicen a Juan, un hombre vago y despreocupado que se ocupa de cantar la «nostalgia boricua» en un raído bar donde deleita a borrachos, locos y a su compinche Lola (40), divertida prostituta indocumentada. Un día se ve obligado a dar clases en una secundaria pública para salvar su ruinosa casona colonial antes de que el Municipio se la expropie; pero su vida cambia al involucrarse con Isabel «La Gringa» (15), enigmática alumna, extranjera en su patria. (En el pitch evaluativo, Joaquín convocó a las fuerzas borinqueñas y hubo performance, con Eyerí, Vilma y Yaima dando lo mejor de sí en el más puro estilo sicalíptico puertorriqueño, tragos de buen ron, y simpatía a mares).
Muy parco, parquísimo, fue el español Pablo Arellano redactando la sinopsis de La Polca, aunque según supimos de buena tinta, una de las versiones del guión llegaba a 150 páginas, de modo que rendía para una serie de televisión (se rumora que Pablito tiene apalabrada la venta del guión en forma de teleserie), o para una superproducción con estelarísimo elenco, y cuatro horas de metraje. Luego, Arellano se llamó a capítulo, como decimos en Cuba, y redujo su inicial tendencia al desborde. La Polca es el nombre de una cafetería en las afueras de Madrid, donde se entrecruzan pequeños fragmentos de vida por la presencia de los clientes habituales, y de la familia dueña del bar. Momentos en la vida cotidiana que, a modo de crónica, muestran los conflictos del día a día en la cafetería, y en este pueblo periférico, a lo largo de tres días. (Sabiendo del gusto de Arellano por Robert Altman, y por cierto género de cine coral, tal parece que sus referentes serán Short Cuts o El callejón de los milagros, o ciertas películas de Luis García Berlanga, o Aquí no hay quién viva, porque él insiste en que no será una película triste ni aburrida, aunque tenga algo que ver con la nostalgia y con la rutina. Solo Arellano pudiera decir a ciencia cierta de qué se trata, si tuviera deseos de recontar lo que tantas veces ha tenido que idear, resumir, pasar en limpio, corregir o ensanchar.
Por último, está la cubana Jennifer Piñero con Sofía y el faro, título provisional de una historia sobre una mujer meteoróloga que tiene problemas de comunicación con el padre, y padece la ausencia de la madre. Un día recibe aviso de un accidente de aquel y tras un largo viaje, llega al lejano faro donde él es guardián y se entera de que una diabetes compromete su salud. La convivencia se impone, y la resolución de antiguos rencores y enigmas, mientras esperan el paso de un huracán. (A Jenny la dejó muy marcada, como a todos, el paso de dos huracanes devastadores por la Isla, pero se le fue la mano al convertir a su protagonista en meteoróloga y encerrarla en un faro, cuando se deber sería estar movilizada e informándole al pueblo sobre el advenimiento del próximo meteoro. No te preocupes, Jenny, que al final se impone la enorme voluntad de recuperación de todos los cubanos, tú incluida, por supuesto.)
Las nueve tesis de ficción. Tres años que terminan ¿en éxtasis?
Joel del Río
Para los de tercer año se aproxima el momento de los adioses y la bienvenida a otra etapa. Y uno no sabe si alegrarse porque concluyó un ciclo importante, definitorio, o entristecerse porque a partir de ahora todo será distinto. De ahora en adelante, por lo regular, uno no va a ver ni hablar con tanta frecuencia (como no sea mediante el chat o la webcam) a gente que formó parte de tu vida pública y privada. Muy pronto se regarán por el mundo todas estas personas que estuvieron presentes en casi todas las angustias y alegrías, desde septiembre de 2006 hasta ahora. Y eso marca. Por lo menos deja una huella más o menos profunda en quienes protagonizan su existencia como algo más que una carrera desaforada atravesando un prado y pisoteando hierba. San Tranquilino fue la casa durante tres años. Y partir en busca de otro cobijo siempre despierta emociones diversas, complejas. Parte importante de estas emociones las provoca el hecho de que la despedida implica la realización de un trabajo que, se supone, resuma lo que has aprendido, adorne los futuros currículos y sirva de pórtico a la vida profesional en el mundo “real”.Cada uno tendrá razones distintas para explicarlo, pero sería curiosísimo investigar por qué el tema femenino, la mujer como protagonista, las intimidades, los problemas de pareja, y los diversos traumas de la sicología femenina, predominan en las tesis de este año. (Seis de las nueve tesis de ficción realizadas este año se acercan a estos temas). Me imagino que las respuestas, si son sinceras, darían material para un tratado no tan interesante como fuerte que engrosaría la chismoteca de la Escuela Y como no vamos a contribuir, oficialmente al menos, con la propagación de murmuraciones que solo quedan bien acompañadas de cerveza, o ron Planchao, en El Rapidito, pues preferimos preguntarle a los directores, por los menos a los que pudimos contactar, sobre sus móviles (publicables), las influencias que gravitaron sobre estos trabajos, y la importancia que les conceden. la Escuela Y como no vamos a contribuir, oficialmente al menos, con la propagación de murmuraciones que solo quedan bien acompañadas de cerveza, o ron Planchao, en El Rapidito, pues preferimos preguntarle a los directores, por los menos a los que pudimos contactar, sobre sus móviles (publicables), las influencias que gravitaron sobre estos trabajos, y la importancia que les conceden.
Aunque solo aspiramos aquí a presentar las tesis, las de protagonismo femenino y masculino, las genéricas y las autoristas, las más densas y las ligeras o festivas, fracasamos cada vez que intentamos darle a toda la información cierto orden lógico o coherencia. De modo que, al final, las presentamos en el orden en que nos fueron llegando las entrevistas, para que actuara el simple azar, y nadie se sintiera privilegiado ni mucho menos excluido. Debo aclarar que el autor de este reportaje también tiene sus preferencias personales, como todo ser humano normal y no tan corriente (creo yo). Así que no pienso ocultar mis simpatías con el pretexto del imposible igualitarismo. Esta generación es la primera que pude acompañar —como profesor en las aulas, en contacto más o menos directo con sus angustias y regocijos— desde el mero primer año hasta hace unos días. De modo que los conozco bastante bien a casi todos, y a unos pocos, como siempre ocurre, me unen relaciones cordiales, respetuosas, simpatía mutua… en fin, que San Tranquilino cambiará de colores cuando ellos se vayan.
Buen provecho se titula la tesis del boricua Paoli López con producción de su compatriota Vilma López, fotografía del brasileño David Alves, sonido del cubano Esteban Bruzón y edición del panameño Enrique Pérez. Rubén y Libertad forman una joven pareja con un don: visualizan, como si fuera real, casi todo lo que imaginan. Están en un restaurante, muertos de hambre, donde el servicio es pésimo. Para colmo se aparece la exnovia de Rubén, Petra, quien amenaza con arruinar por completo la velada comunicándole a Libertad todo tipo de inseguridades. Libertad no puede controlar sus celos, y entonces visualiza a Petra como una cerda que será sacrificada, cocinada y comida.
Susana es la campesina que protagoniza Los desplazados, con guión y dirección del chileno Gustavo “Fofi” Torres. Un grupo paramilitar le quiere usurpar por la fuerza su tierra y para amedrentarla, matan a su esposo y a su pequeño hijo. Susana intenta huir pero su escapada resulta ilusoria. Aseguro Fofi a enfoco que esta idea salió de un largo proceso de cambio y evolución en el cual el motivo de los desplazados y sin tierra derivó hacia ese otro desplazamiento que es la muerte: “Yo quería trabajar el tema de la muerte, que me tocó a lo largo de este año, pues vi morir diversas personas queridas. Y luego, gracias al profesor cubano Francisco López Sacha, conocí el cuento de Ambrose Bierce El puente sobre el río del búho, y de ahí saqué la estructura y parte del argumento. Mi corto no contiene grandes aportes ni los pretende. Es la culminación de tres años de aprendizaje, la comprobación de que venir a Cuba a estudiar cine valió la pena, de que el mejor trabajo es el que se realiza entre todo el equipo, pues cuando eso está engrasado todo fluye y funciona.
“Intenté hacer un drama imantado de una atmósfera típica del western, pero en vez de vaqueros hay paramilitares. La inspiración principal fue Érase una vez en el oeste, de Sergio Leone. Incluso hay una secuencia parecida a la del pozo que, honestamente lo digo, quise robarle a Leone. Solo quise contar una historia que se entendiera, y ojalá consiga sorprender al público, y que se vayan con el personaje y se queden con él. Mi máxima aspiración sería lograr que el público comprenda que están pasando cosas así en el mundo real, y que la realidad es mucho más fuerte que toda ficción. Mi película pudo ser incluso más sangrienta y naturalista, incluso más gore, pero tuve que prescindir de cosas para cumplir con los diez minutos reglamentarios.
“En cuanto a las influencias, aparte de Leone, vi There Will be Blood, y me gustaba su atmósfera, su tratamiento del color, y también una película de Robert Altman titulada Mr McCabe and Mrs Minniver, y sentí cierta confluencia entre estas dos y Érase una vez en el oeste. A pesar de todas estas influencias ilustres, Los desplazados se afrontó como un ejercicio de Escuela, que quise hacer bien, que quedara decente, pero para nada es una gran obra, ni mucho menos algo que no hayas visto antes”.
“De todos modos, fue una excelente culminación de tres años de aprendizaje (no solo para mí sino para todo el equipo, en particular para Christian, el productor, quien venía de experiencias no tan positivas) y además puede ser para todos, creo yo, un buen inicio de carrera, aunque siento que la dirección todavía me queda grande. Me queda mucho por trabajar y explorar. El proceso de aprendizaje continúa y a lo mejor no termina nunca. Yo nunca pensé ser cineasta en la etapa en que era niño y escuchaba a Leonardo Favio, en una emisora de mi país. Luego me enteré que el cantante era también cineasta, y de los mejores. Hay una frase del fotógrafo norteamericano Laszlo Kovacs (el de Easy Rider, Five Easy Pieces, Shampoo y La boda de mi mejor amigo) que dice: «Comienza por creer en ti mismo, pero debes hacerte a la idea de ser un estudiante permanentemente». Además de Christian en la producción, colaboraron con Gustavo, en la foto, la cubana Yanelvis González, en la edición el colombiano Andrés Rojas, en el sonido el cubano Raynier Hinojosa
El poético nombre de Por si vas a Nepal recibió la tesis del colombiano Jonathan Fortich, con guión de la cubana Jennifer Piñero. Cuenta la historia de Julia, una joven profesora universitaria quien recibe la noticia de que espera un hijo. Aunque Iván, su marido, está exultante, a ella no le agrada la idea. Los síntomas del embarazo resultan verdaderas molestias, y los cuidados de su marido le generan un rechazo que se ve obligada a disimular. Aprovechando una de las ausencias de su marido, que es piloto comercial, Julia decide poner fin a su embarazo. La producción corrió a cargo de la venezolana Marelis Rodríguez; la fotografía, del belga Stefan Renard; el sonido, del griego Nicolás Tsabertidis, y la edición, de la cubana Ilka Valdés.
Aunque se trata de un drama, Jonathan aclara que ha rechazado muchos de los elementos formales del género, en busca de una mirada más fría, casi científica, que invite al espectador a asumir una postura crítica. “Lo especial que tiene para mí Por si vas a Nepal —nos cuenta Jonathan— es el contraste entre lo que se decide, o se piensa en soledad, y lo que se hace al enfrentar tales decisiones con la realidad. Por otra parte, es un personaje femenino, lo cual es muy significativo para mí, pues encuentro el mundo mucho más interesante cuando me lo cuenta una mujer. Cada filme que he visto, influye sobre cada plano que he rodado. Mis directores preferidos son Buñuel, Rocha, Renoir, Gutiérrez Alea y Chaplin. Se quedan muchos en el tintero. Si generalizo, la lista es más larga, Carriere, Alexander Trauner, Gregg Toland, Walter Murch, Charles Bracket, Ben Hecht, Rafael Azcona, Dante Ferreti, Serge Silberman, David Selznick, y otros”.
“Por si vas a Nepal para mí culmina un proceso —según Jonathan— llegué aquí con la experiencia de un cinéfilo que pasó muchas horas en la Cinemateca de su ciudad. Nada más. Nunca había trabajado con un actor. Ni sabía cómo plantear una puesta en escena. Cuba es un país del que se puede aprender mucho. Es un ejemplo de dignidad y calidades humanas. Como escribieron Lennon y McCartney: You don’t know how lucky you are, boys”.
El español Oriol Estada, con su compatriota Alberto Valhondo en la producción, foto del boliviano German Peters, sonido del mexicano Jonathan Macías, dirección de arte de Mariana Barioni, y edición del colombiano Andrés Rojas, cuenta en Lejos, la historia de una mujer campesina, quien vive con su madre, y un día decide agarrar todos sus ahorros, provenientes sobre todo de la venta de queso, y viajar a la capital, para hospedarse en un hotel cinco estrellas. Allí, choca con una realidad completamente distinta a la suya, pero al final decide regresar a su casa, en el campo.
Los comentarios de Oriol fueron los últimos en llegar a mis manos (vía email), y él fue el único que insistió en que, por favor, no cambiara nada de lo que me decía. Como no me cuesta nada complacerlo, aquí están, íntegramente, sus anotaciones: “Esta es una historia sobre una mujer que quiere vivir una experiencia muy lejana a la rutina que le ha tocado vivir hasta el momento. Un día se levanta y emprende la marcha. Es una película en la que en apariencia no pasa nada, pero ocurre mucho más de lo que observamos a simple vista. Lo que me interesa, y me parece que el corto brinda espacio para esto, es que se creen distintos puntos de vista sobre la historia. Me interesan las películas sobrias, mínimas, pero demoledoras. Me gustan las películas que están concebidas para hablar de algo y que para eso, parten de una búsqueda de lo natural. Es un trabajo pequeño. Con él tengo la intención de hablar de algo que he observado en estos 3 años de estancia en Cuba de una forma modesta, sin querer imponer mi punto de vista sobre el asunto, solo he tratado de abrir una pequeña ventana”.
Nina es una joven de 27 años que esconde su dulzura y sensibilidad bajo una mirada fría y dura. A los 10 años un extranjero inescrupuloso le robó su infancia. Aunque teme una reacción adversa, Nina se arriesga a contarle todo a su novio Gabriel. Lo ama y no concibe ocultarle algo tan importante al hombre que le devolvió la alegría de vivir. Para el director y guionista de La sombra del tiempo, el francés Teddy Barouh, no hay ninguna razón especial en la decisión de relatar esta historia y no cualquiera otra, aunque asegura que el hecho de tener una hermana de doce años hizo que el tema estuviera presente en su espíritu hasta revelarse en este drama que ojalá “les permita a ciertos espectadores darse cuenta de un fenómeno social grave y de sus repercusiones en la vida de todos —asegura Teddy— pero me es difícil hablar de una película que ahora mismo no está terminada, el final está lejos y por eso es complicado hablar del resultado y de sus repercusiones eventuales”.
Interrogado sobre sus influencias, Teddy no duda ni un instante en responder: “Cuba, y más precisamente La Habana inspiraron estética y narrativamente esta película. Intenté acercarme al cine asiático contemporáneo. Es el resultado del año que pasé aquí, y fruto de un trabajo que la Escuela permitió y apoyó. De todas formas, no creo que exista un cine típico de escuela. Cada película es independiente de su contexto de creación y debe ser considerada una entidad separada”. Teddy contó en la producción y la fotografía de los cubanos Yousef Ananda e Ilka Valdés, respectivamente; la foto del belga Stephane Renard y el sonido del griego Nicolás Tsabertidis.
En Los minutos, las horas la brasileña Janaina Marques (de dirección) y el español Pablo Arellano (de guión) hacen la historia de Yoli, una mujer de 30 años (interpretada por la formidable Laura de la Uz) quien vive en Centro Habana junto a su madre inválida (Xiomara Palacios). La vida de Yoli se concentra en el cuidado de su madre y de la casa que comparten, hasta un día cuando recibe la noticia de que Andrés ha vuelto a la ciudad, y junto con él aparece la posibilidad de terminar esa vida tal vez rutinaria. La producción es de Johanne Gómez (República Dominicana), la foto de Julio Constantini (Brasil), el sonido corre a cargo de Raynier Hinojosa (Cuba), la dirección de arte es del cubano Erick Grass, y la edición de Ariel Escalante (Guatemala).
“Quería hacer una historia que tuviera algo de Cuba —nos confesó Janaina— algo de lo que yo pudiera hablar, de una historia apoyada en sentimientos de personas que yo hubiera visto y conocido. Hablo de una relación madre/hija, un tema que es muy importante para mí, pero que se relaciona con los problemas de vivienda en Cuba, donde tienen que convivir varias generaciones bajo un mismo techo. Combiné esa relación de amor entre la madre y la hija con el deseo de querer salir de un lugar y no poder. Porque el amor también te obliga a quedarte, y quise hablar de ese estado de ánimo y de convivencia.
“Fue muy rica la experiencia del rodaje —continúa Janaina—, porque las actrices cubanas participaron casi en el papel de coguionistas, en tanto fueron capaces de tomar el guión y construir ricamente sus personajes, a partir de vivencias que yo no puedo tener. Pude comprobar definitivamente que el cine es un acto orgásmico, además de creación colectiva, puesto que un director tiene que estar abierto a las casualidades, a la magia que se genera en el rodaje, y no tener ideas demasiado preconcebidas”.
Cuando le preguntamos a Jana sobre qué tipo de película había hecho, nos contestó Pablo, el guionista, que estaba sentado cerca, y ella le cedió un instante la palabra para que definiera el género: es un melodrama filial, desdramatizado, minimalista y de autora. Jana quiso añadir que no quiso juzgar a ninguno de los dos personajes, ni colocarlos en arquetipos de bondad y maldad. “Quise que fueran como personas, y no personajes estereotipados. Yo adoro a estas dos mujeres, y entre ellas hay un amor que al mismo tiempo que ata te empuja a huir. No me gusta hablar de influencias porque los espectadores de la EICTV es posible que no vean la película buscando las referencias, pero mis cineastas favoritos, algunos de ellos, son Cassavetes, Antonioni, Buñuel y Tsai Ming Liang. Esta tesis contiene parte de lo que he aprendido en tres años, y es el resultado de estar en Cuba, de conocer a toda la gente que he conocido, a cineastas como Lucrecia Martel y Laurent Cantet, de haber encontrado aquí tanto amor, aprendizaje, muchas alegrías y tristezas. Así, me salió una película triste, pero yo creo que también tierna”.
En La vida sigue alegre, que así se llama el corto que dirige y escribe el costarricense Carlos Benavides (junto con Ariel Escalante), con fotografía del brasileño Julio Constantini, producción de Marcela Esquivel, sonido del venezolano Miguel carola y edición del guatemalteco Ariel Escalante, se cuenta la historia de Silvia, quien prepara una noche para ella y su pareja, Nacho. En medio de agresiones y manipulaciones sicológicas y sexuales, ella pretende terminar de una vez por todas con esa relación.
Carlos asegura que se decidió por esta historia porque le interesaba explorar en sentimientos muy personales, trasmitir una historia y probar un tratamiento de la misma. En su historia la mujer, Silvia, es tan importante como Nacho, el joven caricaturista que vive rodeado por sus dibujos, incapaz de ver los intentos de su novia por acercarse a él. Al parecer, Silvia tampoco parece entender muy bien el mundo de Nacho.
“Me parece que es un melodrama —confiesa Carlos— que me gustaría fuera comprendido como una pequeña historia. No espero más. Cualquier otra cosa que salga del encuentro con el público será bienvenida. Se ve muy claro que es la culminación de tres años y de muchos errores que, tal vez, no vuelva a cometer en el futuro. En cada parte del proceso (guión, foto, edición…) hubo diversas referencias. Sydney Lumet y Michel Gondry, Animal Collective y caricaturistas como Robert Crumb y Harvey Pekar.
Cuatro gato cuenta algunos momentos en la vida de Arturo, un treintañero desmotivado y escéptico, quien comparte la rutina del trabajo en la barbería con César, el dueño del local. El mejor pasatiempo de César es apostar en el juego de la bolita, siempre a un mismo número que nunca gana, y escuchar día tras día los resultados de la lotería en la radio. Un día, Arturo cuestiona ese hábito e incluso se atreve a desenchufar la radio durante la transmisión del sorteo, lo que provoca la colérica reacción de César, quien muere de un ataque al corazón. Poco después, Arturo es notificado de que César le dejó en herencia la barbería. Solo entonces comienza a creer en la suerte. El trabajo cuenta con guión y dirección de la peruana Karina Cáceres, producción del cubano Alejandro Diez, edición del guatemalteco Domingo Lemus, dirección de arte de la egresada brasileña Mariana Barioni, y fotografía y sonido de los venezolanos Marco Santaniello y Miguel Caroli, respectivamente.
“Lo especial de este trabajo —confiesa Karina— es haber tenido la oportunidad de darle forma a una idea y escribir yo misma el guión. Esta historia se fue dando poco a poco después de escuchar una canción de los Iracundos, de esas que se apuntan en una libreta escolar. También estaba el deseo de mostrar características de personas que conozco, cuyo rastro perdí, cosas mías, y así apareció la versión final de este drama de aprendizaje y ligeros toques de humor negro (dicen las personas que llevaron el taller de género). Entre las cosas que leí, vi y oí mientras almacenaba ideas para la tesis se encuentran John Fante, Charles Bukowski, los hermanos Coen, Billy Wilder, Bugs Bunny, Los Iracundos, Beethoven, Juan Pablo Stoll y Pablo Rebella”.
“Cuatro gato significa la culminación de cuatro años de estudios, pero no veo por qué no puede ser un trabajo digno de figurar en mi currículo. Al final, la idea de estar en la Escuela no se asocia nada más con la acumulación de conocimientos, sino ponerlos en práctica con estos ejercicios de cada año. Todos los trabajos tienen su finalidad, y por lo tanto, su mérito”. Los dos principales personajes los interpretan Félix Beatón y Fernando Echavarría (quien es, por suerte, un asiduo a las tesis de la Escuela, y a los trabajos de televisión).
El brasileño Rodrigo Alves se auxilió de sus compatriotas Daniel Tavares (en el guión) y Pedro Dulci (en la edición), además de los cubanos Roberto Jiménez (producción) y Yanes Llanes (dirección de arte), y los mexicanos Arturo Juárez (fotografía) y Jonathan Macías (sonido) para realizar un corto que primero se llamó Geografía, y luego Terra incógnita. Se cuenta la historia de Walter, un anciano que vive aislado en una ruina, cree en un mundo mejor y en la posibilidad de encontrar el camino hacia Geosofía, su tierra prometida, libre de todos los males de este mundo. En cambio, su hijo Rodolfo lo cree un loco y quiere hacerlo volver a la realidad a toda costa. Cuando el mundo de sueños del viejo se manifiesta real, Rodolfo termina aceptando el delirio de Walter y decide seguirlo en su persecución de la utopía.
Tal vez el guión de Rodrigo sea el que atravesó el mayor número de cambios, añadidos, versiones y enmiendas. Lo sé porque asistí desde cerca al “parto”, sobre todo en el periodo cuando fue más traumático para él: la etapa de escritura y prefilmación, antes de llegar al rodaje. Cuando le pregunté a Rodrigo por qué se decidió por esta historia, y lo que tenía de especial para él, me dio una lista de argumentos tan delirantes como la historia misma. Estaban en su lista, entre otras razones,
Luz del día,
Relaciones hiperbólicas,
Mucha gente,
Personajes enloquecidos que nunca logran lo que quieren,
Jorge Molina,
Cinismo, ridiculez y exceso.
El corto es para su realizador una comedia que intentará gustarle a todo el mundo. Es “producto para las masas”, como él mismo dice. Se inspira en el trabajo de cineastas como ¿Ingmar Bergman? y Federico Fellini, pasando por Ze do Caixao y Mel Brooks. Hablando un poco más en serio, aunque uno nunca sepa a ciencia cierta cuán serio o bromista está siendo Rodrigo, aseguró en su cuestionario que su tesis es la culminación de tres años de aprendizaje. Tres años que cierran, según él, con una sensación de desapego. Como Rodriguinho fala de desapego, nadie podrá verlo el día de la graduación emocionado, agradecido hasta las lágrimas, y queriendo abrazar a la mucha gente que le regaló algo bueno durante estos tres últimos años de angustias y euforias, sin olvidar el epílogo de la graduación, donde se entremezcla el desasosiego del adiós y la alegría efusiva del éxtasis final. Que así sea.
Seis documentales en busca de autor
Joel del Río
A todo lo largo y ancho de 2009 no le han faltado satisfacciones a la Escuela en cuanto a los numerosos premios recibidos por algunas de las tesis documentales realizadas recientemente, como The Illusion, de la cubana Susana Barrriga, o La Chirola, del boliviano Diego Mondaca. Ahora ha llegado el momento de volver a testimoniar la realidad cubana, o extranjera, y producir una nueva banda de obras que representen a sus egresados, en la generación 18, y a la Escuela, en exhibiciones por todo el mundo, luego de que se estrenen a mediados de julio. Solo entonces comprobaremos si estas sinopsis que aquí relacionamos acompañaron a los realizadores hasta el final, y si las intenciones, siempre nobles, alcanzaron a concretarse en imágenes y sonido.
Este año serán seis los mediometrajes documentales. Comencemos por el único que se realiza fuera de Cuba, llamado primero El río que nos atraviesa, y luego El Morichal, pero que de todos modos se rodó en las llanuras del Orinoco. Escrito y dirigido por Manuela Blanco, con producción de Marelis Rodríguez, sonido de Miguel Ángel Caroli (todos ellos de Venezuela), el colombiano Andrés Rojas en la edición y la cubana Yanelvis González en la foto, el documental será un recorrido a lo largo de uno de los ríos mayores de Sudamérica. La directora decidió primero marchar al reencuentro con su pasado, y mientras filmaba el documental, en aquella geografía majestuosa e imponente, quiso exponer los beneficios (y tal vez los perjuicios) que generaría la explotación plena de estas reservas, los grandes riesgos de contaminación y daños ambientales a los que se exponen los habitantes de la cuenca.
Como suele pasar con los documentales, en el terreno cambiaron parcialmente las intenciones y el eje temático del documental, de modo, que la sinopsis quedó de la siguiente manera: El Morichal es un llamado de alerta sobre las posibles consecuencias de la explotación a gran escala de la faja petrolífera del Orinoco, considerada la mayor reserva de petróleo del mundo. Muestra la vida de una comunidad Kariqa que, producto de antiguas políticas petroleras, convive día a día con una fuga de gas en las cabeceras del río Tascabaqas, uno de los tantos afluentes del Orinoco.
Conversamos con Manuela vía email y nos contó que “el Orinoco es muy importante para mí no sólo porque es el río más grande de mi país, sino porque a sus orillas se generó mi vida. Espero que este sea un inicio para un proyecto más grande sobre la gente que vive en esta región. Intenté hacer el tipo de documental autorreflexivo y ecológico en torno a las historias alrededor del río. En uno de sus afluentes, el Tascabañas, encontré una comunidad Kariña afectada por una fuga de gas en sus morichales. Espero que el público tome conciencia sobre la importancia del agua y su escasez en el mundo, así como de las consecuencias para el medio ambiente de la explotación petrolera. Mis principales influencias fueron Agnes Varda, con Los cosechadores y yo, e Yves de Peretti con Tú eres, yo soy, el mito de los cazadores de cabeza, dos obras clave para la realización de este trabajo que concluye un ciclo y abre otro. Por eso pienso que es mi último trabajo en la Escuela y el primero fuera de ella”.
El cubano Armando Capó, con producción del español Alberto Valhondo, fotografía del boliviano Germán Peters, sonido del griego Nicolás Tsabertidis, y edición de la cubana Ilka Valdés, va a realizar, en las inmediaciones de la bahía de Santiago de Cuba, La marea, que retrata la vida de un grupo de personajes quienes viven muy cerca de la costa: en un barco abandonado, en un casa que descansa sobre pilotes, en una isla de la bahía… todos envueltos en un círculo vicioso que no pueden abandonar, atrapados en su destino, y en el fracaso que enfrentan cada vez que intentan apartarse de la fatalidad. Capó propone explorar algunos de los temas que le preocupan: el sentido vital, el destino, la imposibilidad de trascender, el absurdo de la realidad… algunos de los cuales ya aparecían en sus trabajos anteriores.
Asegura Capó que está contando la misma historia de siempre, aunque cambió el escenario. En las respuestas al cuestionario que le entregamos, él se pregunta si está haciendo, o no, cine experimental. No puedo yo contestarle tal pregunta hasta que no lo vea, pero se suponía que Capó supiera lo que estaba tratando de hacer. Respecto a la relación con el público, quiere “que sientan el paso del tiempo, que se aburran, porque se trata de un documental zen, según clasificación de Dean Luis”. Nadie se sorprende entonces de que las principales influencias sean Reygadas, Rodrigo Melo, Takashi Miike, Tarantino, Herzog y Molina. De todos modos, todo esto se refiere a una etapa muy temprana de la realización, pues a última hora recibimos en Publicaciones otra sinopsis para La Marea: Un hombre vive en una barcaza abandonada en la bahía de Santiago de Cuba. Hace diez años está fuera del sistema, la llegada de una notificación postal lo llena de incertidumbres.
La peruana Milagro Farfán (con producción de la costarricense Marcela Esquivel, colaboración en el guión del brasileño Daniel Tavares, foto del alemán York Neudel, edición del guatemalteco Domingo Lemus, y sonido del mexicano Jonathan Mecías) se propone indagar en la vida íntima y pública de una niña de ocho años mediante La tarea, que presenta el conflicto de esta pequeña. El documental se propone acompañar por un tiempo la cotidianidad de la niña y su descubrimiento de que la sociedad cubana le presenta distintos modelos de amar y de ser.
Milagros nos ofrece reflexiones sobre su trabajo: “Me decidí por esta historia porque forma parte de mis inquietudes personales, y consideré que como proyecto de tesis era importante trabajar en valores íntimos y significativos para mí. Se trata de un documental de ¿observación? Quizás un Home Video… Espero que el público sienta la cotidianidad de esta familia, y puedan ser testigos de su intimidad a partir de la mirada de una niña. Mis principales influencias y preferencias fueron Nicolas Philibert, Naomi Kawase y Abbas Kiarostami. No creo que esta experiencia se realice solo para que forme parte de un currículo, sino que es más bien una forma de vivir”.
Otra de las tres realizadoras con que cuenta el grupo de documentalistas que está a punto de graduarse, la brasileña Angélica Valente, también trabaja una tesis relacionada con la familia cubana. Con producción de Vilma López y Alejandro Diez, fotografía de Arturo Juárez y sonido de Jonathan Macías, Mi casa es tu casa abordará la permuta de una familia que va a mudarse para el barrio vecino. Ambas familias están de acuerdo desde hace más de un año, pero tienen que enfrentarse a la burocracia y al mercado negro. Como la necesidad de mudanza es más fuerte que todo, porque las aspiraciones de cambio inmediato representan tal vez el cambio profundo al que tal vez se aspira. En concreto, se cuenta la historia de Adolfina Samón, quien tiene 100 años y vive sola con su hijo Urpiano, de 54 años y sordomudo. Para atender mejor a la mamá, su otra hija Gloria, 53 años, ha decidido juntar a las familias: van a permutar las dos casas por una más grande. El documental acompaña a los Samón en su proceso de mudanza y se plantea como una mirada al interior de un país cuyas aspiraciones de cambio se enfrentan a las contradicciones de su propio funcionamiento.
Angélica decidió trabajar con las permutas en un principio por la simple curiosidad que siempre le provocó ese sistema de cambio de viviendas, que no existe en su país ni en otros lugares del mundo. “Pero la decisión se tomó más que todo porque vi en el proceso una posibilidad de hablar de Cuba desde adentro. Se supone que tiene elementos tragicómicos, pero todavía no está editada, así que no puedo asegurar nada. Me gustaría que los cubanos fueran interactivos con este documental, ya sea a través del afecto o el rechazo, porque sé que el tema los toca, para bien o para mal. Nadie en Cuba ha sido indiferente al tema cuando lo menciono, y ojalá que esa riqueza quede en la pantalla. Espero que todos puedan meterse en este viaje, que nació estimulado por la visión irónica y sarcástica de Goran Radovanovic, quien estuvo aquí con nosotros el pasado semestre y se transformó en la chispa que me hizo seguir adelante”.
“Decir que esta es la culminación de estos tres años —continúa Angélica— suena demasiado solemne, ¿no? Pero definitivamente siento que el trabajo hasta ahora (todo lo que fue la investigación, la relación con el equipo y con los personajes, además del rodaje en si) refleja un aprendizaje, y es fruto de las influencias y de las experiencias vividas aquí. Al final lo que me complace es mirar hacia atrás, y ver que pude dar un paso a más, y avanzar de alguna manera, en cada trabajo que hice en la escuela además de aprender con los muchos errores (vaya lugar común, pero bueno, es cierto)”.
El dominicano Pablo Lozano primero se proponía reflexionar sobre la propia condición del documentalista en un trabajo que probablemente se iba a llamar Tesis, pero el proyecto cambió mucho en cuanto a título y propósitos. En la primera versión se planteaba preguntas sobre si es capaz de expresar un punto de vista sobre la realidad y tomar distancia con el tema y con los personajes. Aseguraba Pablo que intentaba utilizar el proceso de búsqueda de temas para la tesis, y los diferentes obstáculos que aparecieron, para realizar un viaje hacia sí mismo, hacia sus motivaciones e interrogantes. Luego, el documental se renombró. Se llamó Peleador, y así se aproximaba a Leonardo, un niño boxeador que entrena peces peleadores y se dispone a comprar uno en la tienda de peces de la esquina de su casa, para ponerlo a pelear con el que tiene en su casa. En el camino se topa con personajes y situaciones propias de su entorno, el del barrio San Isidro, en La Habana Vieja. Esta historia está narrada a través de la simplicidad de la vida cotidiana de un niño de 10 años, y a través del juego y el deporte se reflexiona sobre lo implacable de la lucha por la supervivencia, “a nivel primario y abstracto”, como dice el propio director.
Finalmente, decidimos darle la palabra a Lozano para que él mismo nos contara: “Mi búsqueda parte de un intento de autorretrato que poco a poco fue cambiando, hasta convertirse en un encuentro con mi infancia. Quise encontrar un espacio espiritual y preparar el reencuentro con mi hijo. Quise dirigir un corto lleno de color e inocencia, que no dejara a un lado lo implacable de la vida, que es lo que me mueve como documentalista. Espero que el público se divierta, y que los más adultos encuentren su niño interior. Este corto está dedicado a los niños, y a los que son papás y mamás. Lo máximo en la vida es ser papá. La principal influencia es El globo rojo. El corto es también la culminación de un periodo en el cual he aprendido mucho, sobre todo acerca de mí mismo. Más que digno es un trabajo sincero, hecho por un equipo de gente apasionada que busca la verdad en el amor”.Peleador lleva en su ficha al productor panameño Christian Quiroga, al fotógrafo dominicano Oliver Mota, al editor tico Ariel Escalante y al cubano Raynier Hinojosa en el sonido.
Una sola palabra, Destierro, también designa el proyecto de documental del boliviano Mauricio Durán, con producción de la dominicana Johanne Gómez, fotografía del venezolano Marco Antonio Santaniello, edición del brasileño Pedro Dulce y postproducción de sonido a cargo del griego Nicolas Tsabertidis. Mauricio se propuso retratar a José, un hombre que pudo ser campesino pero emigró a la mina, pudo ser luchador sindicalista en la mina, pero optó por una beca que le otorgó Cuba, pudo regresar a Bolivia con el Che, pero la tuberculosis no se lo permitió, pudo recomenzar la lucha en la clandestinidad en los años setenta pero decidió formar una familia y quedarse a trabajar olvidando su pasado y los sueños por los que abandonó Bolivia. Ahora vive en el retiro, cuidando una pequeña finca que le otorgó el Estado, como cualquier otro cubano.
Según Mauricio, el documental busca atrapar la imagen de este hombre que ha huido de tantas cosas, y ha ido perdiendo tantas cosas en su camino. Destierro es una reflexión sobre la identidad, que no se define por el acento ni por la ropa que uno use, sino por la decisión de conservar la esencia del lugar donde uno nació. “La vida es como un juego de ajedrez —asegura Mauricio— un movimiento, una decisión, puede alterar el destino, y hoy, a sus 70 años José vive en el retiro, su campo de batalla es una pequeña parcela de tierra, alegoría de muchas cosas, pues todo lo que tiene sembrado allí puede que represente muchas de las decisiones que fue tomando en la vida”.
Moussa Sene Absa evalúa, ilustra y convence
Bien ocupado en su estancia en la Escuela de Todos los Mundos se encuentra Moussa Sene Absa (el realizador senegalés autor de Madame Brouette, entre varias otras películas memorables) participando en las evaluaciones de los ejercicios realizados por el fin del curso, particularmente pretesis y tesis. Sus opiniones, concisas, iluminadoras, son vertidas en francés, inglés o español, en el lenguaje de los gestos y la representación, o mediante los códigos universales del cine. Multifacético cineasta, pintor, escritor y músico, Moussa Sene Absa dirige y escribe para teatro, televisión y cine. En todas esas vertientes trabaja con frecuencia, como ya hemos apuntado, el tema de la mujer africana, como es frecuente también en la obra de notables cineastas de ese continente y del Tercer Mundo.
Madame Brouette se exhibe en el cine Charles Chaplin con la presencia de su realizador, y posteriormente Sene Absa ofrece una conferencia en la sala Glauber Rocha, de la Escuela, sobre los modos de narrar en el cine. Los colores vibrantes, la belleza visual y una cierta cualidad estética que se remarca sutilmente en la puesta en escena de la vida cotidiana y popular en Senegal, son algunas de las virtudes a disfrutar por el espectador en esta reconocida película africana realizada en 2002, y que cuenta la historia, una mujer joven, orgullosa e independiente, quien se dedica a vender frutas y vegetales en una carretilla. Ella vive con su hija Ndèye y su amiga Ndaxté, quien también ha escapado de un marido violento. Sueñan con abrir un pequeño restaurante que les permita vivir con dignidad. Entonces conoce a Naago, un policía seductor y mentiroso de quien se vuelve a enamorar. Un día al amanecer, el vecindario se despierta con el sonido de disparos. Naago sale malherido de la casa de Mati y se desmorona en el suelo. Todas las mujeres del barrio salen en defensa de Mati-Madame Brouette, los hombres sienten que su autoridad está siendo amenazada.
Confirmación de que la eficacia dramática y la habilidad para conmover no necesariamente se vinculan con los presupuestos millonarios de producción, el filme pulsa las cuerdas genéricas del melodrama femenino y el policiaco de intriga y suspense, con el fin de comprender las circunstancias que impulsaron a Mati a cometer el crimen de que se le acusa. Y el final abierto es la coartada para que sea el espectador quien se sienta obligado a emitir criterios y ofrecer veredictos a partir de los testimonios escuchados en el juicio, y de las retrospectivas que nos informan sobre lo que se convirtió la vida de esta mujer en su relación de pareja. Y la manera comprometida y cálida en que el realizador ha sabido reflejar la intimidad de esta mujer alcanza resonancias universales, comprensibles para los espectadores de cualquier latitud y entorno. No en vano la película se ha transformado en uno de los pocos títulos africanos que ha sido exhibido comercialmente en muchos países.
Sobre Madame Brouette su autor ha declarado, en numerosas entrevistas, que se inspiró en la historia real de una amiga de la infancia y en la de numerosas mujeres senegalesas: «En mi sociedad las mujeres no gozan de mucho respeto. Realmente no tienen un lugar y a menudo su función es exclusivamente reproductora. Soportan abusos y humillaciones y muchas no se pueden divorciar porque son económicamente dependientes. Cuando se hacen mayores y sus cuerpos se estropean, sus esposos piensan que ya han tenido suficientes hijos y buscan una segunda esposa, más joven, normalmente virgen, para crear una nueva familia. Sentía la necesidad de hablar sobre todo esto porque, para mí, la mujer es sagrada. El cine es un medio muy importante que nos puede ayudar a entender y resolver los problemas. Debo mostrar al mundo esta terrible cara oculta. No me gusta el cine de mero entretenimiento. Mis películas deben ser el espejo en el que mis compatriotas se vean y se sientan impulsados a cambiar».
Al nivel del subtexto, con todo y que algunos personajes secundarios se vean caricaturizados al extremo, y aparte de que en ocasiones predomina un tono ciertamente ingenuo y en apariencia banal, Madame Brouette representa un asunto tan complejo como la intromisión de la modernidad, y de los patrones de la civilización occidental, en formas de vida tradicionales, ancestrales incluso. Los traumas que se derivan de semejante colisión se asoman o capitalizan el interés de los principales cineastas africanos, y en particular de Senegal, cuya pequeña cinematografía impactó en muchos lugares del mundo desde finales de los años 60 hasta la primera mitad de los 80, cuando lograron estabilizar la producción en cinco largometrajes de ficción al año, con las excelentes películas del también escritor Ousmane Sembene (famoso por realizar las primeras y las mejores películas del África negra: Emitai, Xala, Moolaadé), Djibril Diop Mambety (El viaje de las hienas), la cineasta Safi Faye (Los dueños del sol) o Valerio Truffa, creador de escuelas de cine en varios países africanos como Benin y Madagascar.
Según criterio generalizado, los personajes femeninos son capaces de reflejar con mayor exactitud y comprensión los estadios de la exclusión, desigualdad e infortunio que domina en los países subdesarrollados y Moussa Sene Absa lo sabe. Importa mucho tener presente semejante perspectiva cuando uno se enfrente a esta película de altísimo linaje artístico: estamos viendo mucho más que la historia trágica, y el drama criminal, de una mujer víctima de las circunstancias.
Homenaje a trabajadores fundadores del ICAIC
El pasado 14 de julio, a las 5:oo pm en la Plaza Zá, se llevó a cabo el homenaje a los trabajadores fundadores del ICAIC, a raíz de los 50 años de existencia de esta institución. El acto, que estuvo a cargo del crítico de cine Luciano Castillo, contó con la presentación del libro Dialéctica del espectador del cineasta Tomás Gutiérrez Alea, una de las últimas publicaciones de Ediciones EICTV. La Escuela le entregó al ICAIC una placa, en reconocimiento a los años de trabajo, la cual fue recibida por Susana Molina, quien pidió que los cineastas Julio García Espinosa, Enrique Pineda y Nelson Rodríguez estuvieran a su lado. También acudiaeron a la cita Alquimia Peña, Manuel Herrera, Mirta Ibarra, Eslinda Núñez y Dolores Calviño, entre muchas otras personalidades del cine cubano.
Las tesis en el Chaplin
Documentales y ficciones, todos los trabajos de fin de curso fueron proyectados el domingo 19 de julio a las 5:00 pm en el teatro Chaplin de La Habana. Con lleno casi total de público habanero, este fue el primer choque con el llamado “mundo real”, para los trabajos con que se gradúa la 18va generación de la Escuela. En dos tandas con un intermedio de casi media hora, se sometió la creación cinematográfica a la más dura de las pruebas: espectadores de la calle, sin prejuicios, sin sapiencias especializadas, sin antecedentes, y con la esperanza de tener una tarde de domingo bañada por la luz del proyector. Y así fue: las películas de los estudiantes produjeron todo aquello que debe producir el cine: risas, lágrimas, momentos de incertidumbre, aburrición por momentos, reflexión, y ante todo, esa atmósfera única que solo se logra en la oscuridad que se rompe. “La gran pantalla”. He ahí un sueño realizado. Esto les espera de ahora en adelante. Que así sea
Eicetevianos se solidarizan con el pueblo hondureño
Tras el golpe militar a Manuel Zelaya, estas son algunas de las primeras reacciones de los egresados y directivos de la Escuela.
Palabras del egresado Hispano Durón:El domingo 28 de junio me levanté temprano con ganas de opinar sobre el futuro de mi país, a través de una encuesta convocada por el Presidente Manuel Zelaya. No pude, porque a las 6:00AM, soldados lo secuestraron y lo forzaron a salir del país, aun con su ropa de dormir. Simultáneamente, la Canciller de Honduras, Patricia Rodas, fue secuestrada por armados y encapuchados según lo denunció el Embajador de Cuba, quien también fue víctima del secuestro.Aunque algunos lo nieguen, esto fue un brutal Golpe de Estado, como ya lo han definido varios analistas internacionales. Hay rumores de que hubo muertos, pero nada confirmado aún. Fuera de eso, lo peor que estamos viviendo los hondureños es la desinformación. Las fuerzas golpistas clausuraron unos seis canales de televisión nacionales, incluyendo el canal oficial, e interrumpieron su señal. Los que quedan funcionando manipulan la información, ya sea por inclinación politica o por temor a ser clausurados. Los periodicos, claramente aliados con el grupo opositor al Presidente Zelaya, ocultan información y se enfocan en las decisiones del Congreso, desde donde se gestó la acción que rompió con el orden constitucional. Para colmo, nos han impuesto un "toque de queda" que nos obliga a quedarnos en casa de las 9:00PM a 6:00AM. Mientras las fuentes de información exteriores como CNN o Telesur estan divulgando la condena que varios de los gobiernos del mundo están expresando ante el Golpe. El mismo Gobierno de los Estados Unidos declaró que no reconocerá a otro presidente que no sea el que el pueblo eligió en los comicios.
Yo me sumo a las voces de protesta en contra de una acción ilegal y lasciva de nuestros derechos esenciales y hago un llamado de solidaridad a los amigos del mundo para exigir el retorno del Presidente Constitucional Manuel Zelaya Rosales, la libertad de los secuestrados y el regreso al Orden Constitucional, así como la OEA, la Unión Europea y varios Gobiernos lo están exigiendo.Tambien invoco por una resulución pacífica a este conflicto.Por el momento, esta es mi posición.
Palabras de Nolban Martin Medrano Matamoros y Dora Elizabeth Figueroa Mazariegos:
Queridos compañeros:
Todos los cineastas que vivimos en Honduras, nacionales y extranjeros que creemos en la democracia, nos sentimos indignados ante los hechos que han acontecido en relación a la destitución ilegal y forzada del Presidente de la República y nos sentimos profundamente ofendidos de que se haya impuesto un nuevo orden gubernamental en contra de la voluntad de la mayoría del pueblo hondureño. La manipulación de los medios de comunicación, las mentiras de una carta falsa leída por los medios de comunicación local, la incomunicación por el internet, teléfono, etc. solamente muestra el tipo de régimen que quiere entrar en el país a lo que la mayoría de intelectuales y artistas se oponen rotundamente por violentar los derechos por los que tanto se ha luchado en todo el mundo.Por tal motivo, estaremos en comunicación con todo el gremio enviando información del material que se está recopilado y agradecemos sinceramente el apoyo que desde sus países le están dando a Honduras.Un abrazo a todos, Elizabeth y Nolban
Respuesta de Jerónimo Labrada:Hola Francisco y grupo EICTV, seguimos con gran preocupación los sucesos de Honduras. Anoche casi ni dormí pues toda la noche estuve oyendo en la radio las intervenciones de los presidentes en las reuniones del Alba, en Nicaragua. Es impresionante y aleccionador la manera en que las fuerzas reaccionarias despliegan ese nivel de violencia cuando les tocan sus intereses. En cambio cuando nosotros hacemos algo mínimo, nos andan acusando de violar cuanta cosa se les ocurre. También es impresionante el juego que CNN le hace a esa operación y como inventan frases amortiguadoras para calificar el golpe de transición forzada o como rápidamente le dan los micrófonos a la reacción para que divulgue sus ideas y en cambio cuando va a hablar el nuestro lo interrumpen porque esta entrando otra noticia. Son todos unos cabrones. Esta muy bien que ustedes puedan recoger esas imágenes y esos sonidos, que pueden en un momento dado ser valiosos documentos para el futuro inmediato y a largo plazo. Igual les digo que no arriesguen su seguridad por buscar el plano espectacular ni nada de eso. Les deseo mucha suerte. Pasale un abrazo cariñoso a toda la tropa y cuenten con nosotros. Jerónimo.
Abierta convocatoria para Nuevas Miradas/EICTV 2009
San Antonio de los Baños, 15 de julio de 2009.-
Convocatoria para NUEVAS MIRADAS/EICTV 3 Encuentro de proyectos cinematográficos en desarrollo, organizado por la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños (EICTV) con apoyo de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano y el 31º Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.
Podrán Participar:
Alumnos y egresados de la EICTV
Participantes de talleres internacionales de la EICTV.
Jóvenes productores y realizadores cubanos.
Los proyectos deberán cumplir las siguientes condiciones:
Estar en etapa de desarrollo.
Ser de ficción, documental o animación.
Ser largometrajes en el caso de proyectos para difusión en salas y en el caso de TV obras unitarias de un mínimo de 55 minutos o series de varios capítulos.
DATOS QUE DEBERAN CONSTAR EN EL FORMULARIO
• Identificación y contacto del productor, la empresa productora, titulo del proyecto, etc.
• Esquema de Producción (Formato de captura y exhibición, etc.)
• Informar si hay un tratamiento del guión * (Nota: Esto es OPCIONAL)
• Monto estimado del presupuesto total del proyecto.
• Indicar si cuenta con algún financiamiento en esta etapa
• Sinopsis (350 palabras máximo).
• Semblanza del Productor (150 palabras máximo).
• Semblanza del Director (150 palabras máximo).
• Semblanza del Guionista (150 palabras máximo).
• Visión del Director (350 palabras máximo).
• Cronograma de desarrollo
• Plan financiero de la etapa del desarrollo
• Indicar que tipo de acuerdos buscará durante el encuentro
• Firma electrónica del postulante responsable por la inscripción del proyecto
La inclusión en el catálogo, así como la agenda de reuniones, quedarán supeditadas a la calidad y el interés que despierte la propuesta. El formulario deberá estar completo y cumplir todos los requisitos, caso contrario el proyecto no será considerado para su inclusión en el catálogo.
Se prevé una instancia presencial de asesoría los días 6 y 7 de diciembre en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (EICTV) con expertos que asesorarán a los participantes en la presentación de sus proyectos. Las reuniones abiertas serán en La Habana los días 8 y 9 de diciembre del corriente con un cierre el día 10. La EICTV no cubrirá costos de alojamiento ni manutención de los participantes.
El formulario esta accesible en la web de la EICTV: http://www.eictv.org http://www.eictv.org/eictv/view/index_category.jsf?id_seccion=21&id_categoria=20 y las propuestas se reciben hasta el 15 de septiembre de 2009 por email: nuevasmiradas@eictv.org.cu .
Abierta convocatoria para II Taller de Capacitación Audiovisual desde la perspectiva de género
La Cátedra de Audiovisual y Genero de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, el Programa de genero de la Agencia Suiza para el Desarrollo y la Cooperación, COSUDE, La Oficina Regional de la UNESCO en la Habana, convocan al II Taller de Capacitación Audiovisual desde la perspectiva de género, dirigido a lideres campesinas y comunitarias de América Latina y el Caribe, con los siguientes objetivos y propósitos:
-Capacitar a un grupo de líderes campesinas y comunitarias en el conocimiento y la reflexión sobre las relaciones entre los géneros, así como en las técnicas de realización audiovisuales con una mirada integradora de ambos saberes .Dotarlas de los conceptos y recursos que se requieren para ser capaces de comprender mejor las relaciones entre los géneros, para realizar cortos en formato audiovisual que les permitan contar, reflexionar, difundir…su vida , su problemática especifica vista y valorada desde su interacción en los ámbitos privado y publico.
-Contribuir a su empoderamiento y a su comprensión sobre el alcance y las posibilidades del lenguaje audiovisual en lo que respecta a difundir , analizar, repensar sus realidades, sus relaciones sociales , culturales y de todo tipo, lo que coadyuva al cambio de actitudes en aras de una mejor calidad de vida.
-Fomentar el intercambio de las participantes en torno a las diferentes culturas de las comunidades y naciones latinoamericanas y caribeñas a las que pertenecen, para, mediante el dialogo intercultural que nos proponemos desarrollar, contribuir a un mayor conocimiento y reconocimiento del valor y la dignidad de sus identidades y culturas, desde el respeto a las diferencias de toda índole.
-Trabajar por el conocimiento y reconocimiento de las participantes sobre sus derechos en, y a la vida. Resaltar su enorme contribución al desarrollo de sus países, en la producción de alimentos, en el cuidado del medio ambiente…, su gran aporte a la preservación del patrimonio inmaterial de sus comunidades y naciones.
Constituir una red de comunicación entre todas las participantes en el curso, que permita dar continuidad al proceso, que posibilite el intercambio de experiencias y vivencias entre todas , como una vía de retroalimentación y enriquecimiento cultural, y sobre todo, para dar visibilidad a la labor diaria de ellas como lideres campesinas y comunitarias de América Latina y el Caribe.
Fecha: del 26 de Octubre al 13 de Noviembre del 2009
Duración: 3 semanas
Cierre de la Convocatoria: 26 de septiembre, 2009
El curso será impartido por prestigiosos y reconocidos profesionales en materia de realización audiovisual y de género, como las profesoras: Lizette Vila y Niurka Pérez.
Requisitos:
Desempeñarse actualmente como líder campesina o comunitaria en el ámbito rural, ya sea en ONGs, movimientos sociales, comunitarios….
Haber concluido la enseñanza media
Tener interés, aptitudes y en lo posible experiencia en el manejo audiovisual
Tener interés, conciencia sobre la necesidad del conocimiento sobre las relaciones entre los géneros y en lo posible experiencia práctica.
Enviar previamente CV u Hoja de vida para su valoración y como requisito para la selección.
Resultar seleccionada.
Aspectos de interés general:
La EICTV con el apoyo de los patrocinadores asume los gastos de: traslado aéreo desde el país de destino hacia la Habana y de regreso. Costo de la matricula del curso, que incluye: alojamiento, alimentación y los recursos necesarios para la capacitación.
No se contempla el pago ni los reembolsos por posibles gastos de las participantes en : documentos para el viaje, pasaportes, visados, ni de transportación interna o de posibles alojamientos al interior de sus países o fuera de el, en el itinerario de viaje hacia la Habana.
Coordinadora general: Margarita Florez, EICTV.
Equipo de Coordinación: Orietta Roque Cátedra de Altos Estudios de la EICTV, Anne Marie Zancar y Graciela Morales: Agencia Suiza para el Desarrollo y la Cooperación Internacional. Isabel Viera Bermúdez, Oficina Regional de la UNESCO, en la Habana, Cuba. Maria julia Antuña Relaciones Internacionales, EICTV.
Los interesados deben dirigirse a:
Margarita Florez margarita@eictv.org.cu
Maria julia Antuña mariajulia@eictv.org.cu
Convocatoria CINERGIA para cortometrajes
PRODUCCIÓN DE CORTOMETRAJE DE FICCION (únicamente para directores menores de 35 años)
CINERGIA financiará la producción de cortometrajes de ficción con un máximo de 5 mil dólares USD, monto que deberá cubrir el costo total de la producción y posproducción de la obra. En caso de que el presupuesto del cortometraje sea mayor, los proyectos seleccionados en esta categoría, sólo recibirán los montos asignados hasta que comprueben tener la totalidad de los fondos necesarios para finalizar el cortometraje. CINERGIA financiará proyectos que no hayan iniciado el rodaje o la grabación, y en casos excepcionales financiará el paso de vídeo a cine de obras ya finalizadas. Excepcionalmente, CINERGIA financiará salarios del equipo técnico o del personal artístico, pero nunca al equipo productor (director, guionista, productor). El proyecto deberá estar preparado para iniciar el rodaje antes de octubre de 2010.
Mayor información:
http://www.cinergia.org/index.php?option=com_content&view=article&id=15:produccion-de-cortometraje-de-ficcion&catid=1:institucional&Itemid=16
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